sábado, 31 de diciembre de 2011

Diseño de carteles: DISEÑO CONSCIENTE

Aprovecho para dar publicidad al proyecto colaborativo, DISEÑO CONSCIENTE, grupo de trabajo conformado por estudiantes, en su mayoria, asistentes del "Taller de Innovación Sostenible" en La Trasera, impartido por Ivan Martín con la colaboración de Hugo Sanchez y Rubi Alonso.


Se pretende asumir un compromiso social con nuestra realidad más cercana; repensar la facultad, el diseño y la creación artística desde una perspectiva más sostenible. Queremos crear un eje transversal de acción que irradie al común de la facultad.
El objetivo es, no sólo reducirlo al campo del diseño, sino abarcar la ética ecológica desde las distintas posiciones que en la actualidad ocupamos; como consumidores, comunicadores y productores. El artista social comprometido con la situación de crisis que le rodea. Es hoy necesario replantearnos este momento crucial que se nos brinda como punto de inflexión para evitar un desastre ambiental irreparable en el planeta. 

Pretendemos realizar un trabajo colaborativo y abierto a través de dos líneas de acción;

Un seminario semanal en la facultad y charlas con profesionales en el sector. Dentro del espacio, proponemos una serie de juegos para desarrollar nuestra creatividad en equipo, excursiones a centros de interés (ferias de diseño ecológico y exposiciones) y escapadas a la naturaleza para favorecer la relación de nuestro cuerpo con el entorno.
Las reuniones tienen lugar los MIÉRCOLES A LAS 17:30 en las mesas.

Un blog de discusión que nos vincule y facilite la labor de documentación y análisis de nuestras acciones.
http://disenoconsciente.blogspot.com

Si te quieres unir constacta con asdra_dunay@hotmail.com
teléfono: 656890081
solo necesitas tener mucha motivacion y estar comprometido con el medio ambiente.






miércoles, 28 de diciembre de 2011

El Amor en la Adolescencia

El amor en la adolescencia suele vivirse de manera muy intensa, existe una
gran ilusión del primer amor, Sin embargo llega maquillado por una gran
cantidad expectativas que se han alimentado a través de lo aprendido en la
vida, por ej. En la familia, ya sea repitiendo patrones o queriendo cambiarlos
totalmente, influyen también los medios de comunicación, los cuentos color de
rosa, películas de amor tormentosas, telenovelas en donde mágicamente a
través del sacrificio se consigue el amor de aquel que tanto nos desprecia,
canciones que hablan de amores maravillosos y perfectos etc. enseñan que el
amor o se sufre mucho o todo es de ensueño. Por ello cuando se viven las
primeras relaciones se cree debería ser parecido a lo que teóricamente se
conoce o se tiene la fantasía de poder cambiar la historia.
Otro factor que interviene de manera importante es el enamoramiento que se
presenta en el inicio de las relaciones, que es en realidad una distorsión de la
percepción, se exageran las cualidades y se cree que la otra persona es la
ideal para compartir con ella el resto de la vida; afortunadamente el tiempo
hace milagros y permite descubrir la esencia real de la persona.
Dentro de las relaciones de pareja se tratan de cubrir las carencias afectivas
que se vivieron en la infancia, con el amor de la pareja. A través de la vida se
aprende a hacerse responsable de sí mismo, pero en esta etapa, los
adolescentes aún no tienen una identidad bien definida y viven las
frustraciones, los fracasos y las experiencias felices de manera más
egocéntrica, como si solamente fueran los únicos en el mundo a quien
sucedieran estos eventos y jamás fuera a pasar el dolor, sin embargo pasa
más rápido de lo que ellos mismo imaginan.
La experiencia en el amor es fundamental como en muchas otras cosas, el o la
adolescente tendrá que besar a muchos sapos antes de encontrar su príncipe
azul, es importante que no se deje llevar por la desesperación si éste tarda en
llegar, después de todo la historia de su vida amorosa apenas empieza. Es
mejor esperar a que alguien nos ame por lo que somos y no entregarnos a
quien amamos pero no nos ama por el miedo a la soledad, porque el precio
sería perderse a sí mismo.
“Se sigue viviendo aunque perdamos a quien no nos ama, pero no podemos
vivir si nos perdemos a nosotros mismos”

ARTE Y ADOLESCENCIA

martes, 27 de diciembre de 2011

Exposición: Fernanda Reina Cervantes (SOSTENIBILIDAD)

Exposición: Fernanda Reina Cervantes


Proyecto de investigación de Fernanda Reina Cervantes
Exposición del dia 30 de Noviembre.

Proceso y técnicas en la pintura sostenible en México

Fernanda trata de confeccionar su tesis a modo de manual para pintores que quieran trabajar de manera más sostenible investigando materiales y procesos alternativos con los que degradar menos el medio ambiente.
Su investigación comienza constatando la aparición de procedimientos verdes en todas las áreas.

El libro recomendado por la investigadora es Cradle to Cradle subtitulado Rediseñando la forma en que hacemos las cosas, es un libro innovador y revolucionario escrito por Michael Braungart y William McDonough en el que se propone una nueva forma de interpretar el ecologismo, la Próxima Revolución Industrial.

La investigación de Fernanda se divide en tres capítulos básicos.

Capitulo 1: Antecedentes del problema (arte ecológico).
Capitulo 2: Técnicas de producción artística (basadas en las principales técnicas a caballete).
Capitulo 3: Arte Sostenible.

La obra analiza desde la fabricación hasta el proceso de todas las técnicas, por medio de tablas en las que investiga su origen, el procedimiento, efectos contaminantes de la industria y efectos contaminantes en la práctica.

También es importante tener en cuenta aspectos del espacio, la utilización responsable de las energías y otros aspectos a tener en cuenta en las exposiciones y ferias como el embalaje, difusión de obras, carteles, etc…
Se debe  minimizar los costes mediante ecodiseño, arquitectura bioclimática.

Por último la artista e investigadora Fernanda muestra junto a su tesis la obra que en paralelo está realizando con las técnicas ecológicas: La obra cuenta con numerosos ejemplos desde acrílico elaborado artesanalmente hasta tintas para grabado pasando por collage y monotipos realizados con materiales también reciclados. Todo ello también buscando soportes reciclados como el papel amaite.

La obra recoge testimonio de artistas y teóricos como Joseph Voice  quien habla de arte social, instalaciones de arte ambiental y Land Art, el arte más comprometido con la naturaleza. Según Voice, el arte trata de introducirse en otras áreas cada vez más regenerando recursos y recuperando espacios.

Análisis de soportes

Esta parte pasa a analizar la fabricación de distintos soportes y técnicas, y sus efectos contaminantes estudiando alternativas más ecológicas.

-Metal: El metal tiene un contaminante proceso industrial de fabricación, por ello se busca trabajar en grabado con madera certificada.

-El Latex es una suspensión acuosa coloidal compuesta de grasas, ceras y diversas resinas gomosas obtenida a partir del citoplasma de las células presentes en algunas plantas. Este producto natural funciona como el componente acrílico al cual podemos añadir pigmentos.

-Del Latex se extrae el caucho mediante un proceso de endurecimiento por calor.

-Con el aceite de linaza junto al pigmento da lugar a las tintas de grabado.

-Con el temple de goma arábiga junto al aceite polimerizado se consigue pintura.

-El disolvente de cascara de naranja sirve como transfer (acetato de polivinilo)

-Nitrocelulosa: base transparente para las emulsiones de las películas fotográficas) y como materia prima en la elaboración de pinturas, lacas, barnices, tintas, selladores y otros productos similares.

-Collage y monotipos realizados con materiales reciclados: alternativa no contaminante. (tetrabrick de leche, cartones y papeles recliclados)

-Ventilación correcta y sustitución de productos tóxicos por otras alternativas menos nocivas en las instalaciones.



A continuación Fernanda habla de artistas que trabajan con el tema de la ecología y otros a los que se ha denunciado:

-Fame Festival BLU: realizan graffitis reivindicando la sostenibilidad.

-Kai Wong: Artista que realiza instalaciones usando pólvora y mescal, productos contaminantes.

-Damien Hirst: Su obra, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, se trata de un tiburón tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Debido a la descomposición del tiburón, fue reemplazado con un nuevo especimen en 2006, y de nuevo hasta sustituir 5 veces al espécimen. Fue denunciado por Green Peace.

Hemos llegado a un punto en el que el arte ha perdido el respeto a la naturaleza.

ARTE SIGLO XXI

Arte siglo XXI. Ideas, comentarios y reflexiones sobre Arte Moderno, Contemporáneo y Emergente. Interesante blog sobre arte contemporáneo y emergente de todas las categorías.

Rineke Dijkstra - Portraits

Rineke Dijkstra

"No hago fotos de gente que se cree guapa. No pueden sorprenderme". Rineke Dijkstra

La fotógrafa holandesa Rineke Dijkstra (nacida en Sittard en 1959 y formada en la Rietveld Academie de Amsterdam desde 1981 hasta 1986) forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. En un breve periodo de tiempo, sus obras se han empezado a subastar a precios desorbitados, y su reputación en el ámbito internacional goza de alta estima a pesar de no acudir a ferias de arte, ni tener blog ni website propia. Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII y de los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, pero desarrollando a la vez un estilo muy personal de trabajo, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.


Realizadas con una simple cámara técnica de formato 4×5 pulgadas, a veces con luz de flash añadida a la natural, las obras de Dijkstra no son nada complejas en cuanto a los aspectos técnicos, pero sí en su contenido, al buscar respuestas sobre la identidad y sobre las relaciones familiares y culturales en la sociedad contemporánea. Pese a su sencillez formal y su falsa simplicidad, en sus retratos se intuye una presencia mucho más profunda e inquietante: de un modo u otro todos ellos se mueven entre una representación mental de la realidad y lo anecdótico que se pudiera encontrar en ella. Sus retratos no constituyen ningún ritual de afirmación personal: no hay risas, ni excitación, ni dramatismo. Más bien ante su cámara posan personas inseguras y solitarias, la mayoría de las veces gente de diferentes culturas bajo las mismas circunstancias, como los Beach Portraits que la artista empezó a hacer a jóvenes de diversos contextos y condiciones, buscando poses de cuerpos en transformación, sin apenas dominio sobre los mismos. Los personajes que posan ante la cámara de Dijkstra son arquetipos de la sociedad contemporánea que se encuentran ante cambios en situaciones concretas, frente a momentos en los que entran en nuevas comunidades (el ejército) o ante alguna nueva etapa emocional (paso de la niñez  a la pubertad). Sus poses y sus miradas se pueden leer e interpretar desde un punto de vista social, psicológico, cultural o incluso sexual, pero en cualquier caso esa simplicidad resulta fascinante y exalta la curiosidad natural de unas personas sobre otras, fomentando cierto voyeurismo inherente a todo ser humano.


La gran profundidad psicológica de sus retratos hace que, a pesar de la descontextualización, aquello que se evoca llegue incluso a tener más peso de lo que se muestra. La artista opta por dejar la fotografía abierta a la interpretación usando factores que están fuera de su control, siendo el resultado final una mezcla entre las circunstancias y la suerte. Para ello Dijkstra plantea sus sesiones fotográficas  como un ejercicio de complicidad y mutua seducción entre fotógrafa y fotografiado, para despertar la simpatía de los retratados con el fin de llegar a capturar esos reveladores momentos de distracción. También juega con el cansancio físico, tratando de evitar las poses forzadas y automáticas, con el fin de dejar traslucir la debilidad del fotografiado. La artista comenzó a emplear este estilo tras contemplar un autorretrato en la piscina. El estado de fatiga que la artista manifestaba en ese momento le dio la clave de hacia dónde quería enfocar su trabajo. artwork_images_184989_183625_rineke-dijkstraDesde entonces no ha dejado de retratar a personas en instantes de distracción o fatiga en los que no evitan mostrarse como son, con la parte de fragilidad que posee el ser humano,logrando perfilar los nuevos cánones de la contemporaneidad artística y convirtiéndose en una de las artistas contemporáneas que más sutilmente nos habla de la realidad, del tiempo y del tránsito.
BEACH PORTRAITS
Para mí es una revelación importante comprender que cada persona está sola. No en el sentido de soledad, sino en el sentido de que nadie es capaz de comprender por completo al otro. (…) Me gustaría despertar cierta simpatía por la persona a la que fotografío.picture
Esta serie de retratos, realizados en las playas de EEUU, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia entre 1992-1996, es la primera que Dijkstra crea como fotógrafa independiente, logrando el éxito unánime de la crítica gracias a la calidad emocional y dramática que transmitían las fotografías a pesar del mínimo esfuerzo dedicado a la intervención o a la preparación. Retrata a niños, preadolescentes y adolescentes en la playa en composiciones austeras y desde puntos de vista casi idénticos. La mayoría de veces están solos pero otras veces forman  grupos  que, sin embargo, son retratados como una individualidad como reflejo del gregarismo autoimpuesto por los jóvenes. Empleando la sobriedad de la arena, el mar y el cielo como único fondo consigue que el espectador centre toda su atención en los gestos y expresiones de las figuras retratadas, a medio camino entre la naturalidad y la pose lo que las otorga un aura de misticismo y magia a pesar de su aparente neutralidad. Las poses de sus personajes sugieren calma, equilibrio y armonía, aunque producen a la vez una sensación de inquietud al adoptar posturas incómodas, adustas, inexpresivas e inacabadas, que introducen de manera subliminal las dudas e inseguridades propias de la edad. El traje de baño nos permite apreciar las transformaciones aún inacabadas en sus cuerpos, sobre los que no tienen ningún dominio al estar concentrados exclusivamente en el instante preciso de la confrontación con un objetivo fotográfico que les otorga una imagen de si mismos en la que probablemente no se reconozcan. artwork_images_460_316528_rineke-dijkstraEl enfoque decididamente conceptual de estos Beach Portraits es siempre el mismo: todos los jóvenes retratados se sitúan en el centro simétrico de la composición de acuerdo con los parámetros del retrato clásico, mirando a la cámara con naturalidad, sin mucha preparación y  sin recibir directriz alguna por parte de la fotógrafa. Les fotografía desde abajo, siempre a pleno día pero aún así utilizando flash para que los jóvenes destaquen en la fotografía bien perfilados sobre el mar.  Sin embargo, con este formato tan simple y repetitivo Dijkstra logra que las diferencias sociales, culturales  y personales entre los retratados se hagan patentes para el espectador que las contempla, puesto que las personas fotografiadas, conscientes de las convenciones del retrato tratan de buscar la expresión adecuada y pose que les gustaría adoptar ante la fotógrafa y ante posteriores observadores. La imagen suspende y perpetúa un instante del tiempo que la artista ha compartido con  esa persona, siendo el resultado final un documento que plasma parcialmente la interacción y colaboración entre fotógrafo y fotografiado. Para ejemplificar esta idea basta con poner dos fotografías tomadas en dos lugares del mundo:
  • Kolobrzeg, Poland, 1992: Una frágil y delgada chica polaca con un bañador verde lima posa para la cámara con una cautivadora mezcla de torpeza y despreocupación. Dejando caer su cabeza ligeramente hacia su izquierda avanza una pierna hacia adelante, y deja caer la mano sobre su muslo en un intento de adoptar una pose de modelo de pasarela. En algún lugar de la interacción entre la despreocupación y el cliché, entre la individualidad y la generalidad, hace su aparición la identidad de esta chica en un ámbito artístico.  Dijkstra consigue capturar con ternura el momento en el que la chica parece monumental pero vulnerable, a mitad de camino entre la inocencia de la niñez (como muestran sus pies enarenados y sus piernas delgadas y esbeltas) y la experiencia de la edad adulta (reflejada en su cara y ojos). La cámara no se sitúa a la altura de los ojos, sino en un punto más bajo, logrando que la figura de la chica recortada frente a un cielo gris oscuro, aparezca al mismo tiempo grande y pequeña.hb_2001_307
  • Hilton Head Island, South Carolina, USA June 24 1992: Esta vez la chica que posa para Dijkstra luce un bikini naranja que resalta su cuerpo bien moldeado, y sitúa sus pies muy juntos sobre la arena húmeda de la playa con el fin de que al entrecruzar sus piernas éstas parezcan un poco más delgadas. Como la sesión fotográfica se hizo con una cita previa (como es habitual en Dijkstra) la joven pensó que se trataría de una sesión fotográfica para alguna revista de moda, por lo que la cara aparece profusamente maquillada y en la mano derecha luce tres anillos. Nótese como la chica intenta meter tripa para parecer más delgada (la artista posteriormente contó que su madre estaba en un lado diciendo que parecía gorda). Quizás es por ello por lo que a pesar de intentar posar lo mejor posible mientras se sujeta su larga melena rubia sobre el hombro izquierdo, su bella cara muestra una expresión de confusión, aturdimiento y ansiedad, al mirar a la cámara con timidez y una cierta vaguedad inquisitiva. Su imponente silueta se recorta delante de un gris paisaje de playa, mar, olas y cielo, lo que hace que la figura se encuentre aislada y solitaria en medio de un entorno hostil e incierto. (Por cierto… ¿os habéis fijado en la asombrosa similitud entre esta foto y El Nacimiento de Venus de Botticelli?)p_colinpantall3
NEW MOTHERSEn estas fotografías de mujeres holandesas que acaban de dar a luz, Dijkstra emplea de nuevo una cámara de placas y un flash para retratar a sus personajes frontalmente, de pie e inmóviles frente a una pared blanca de un pasillo anónimo con su bebé en brazos como única puesta en escena, alejada de la instantaneidad fotográfica. En esta serie la artista ha querido despojar la imagen de la maternidad de la “nube rosa”  que tradicionalmente la rodea. A diferencia de en las Beach Series, esta vez la artista, en el título de la composición, no sólo revela el lugar y fecha en el que fueron tomadas, sino también nos revela el nombre, lo cual ayuda a concretar un hecho existencial genérico como es el nacimiento o la vida. Sin embargo el espectador no conoce ningún otro detalle sobre la biografía de las jóvenes madres (¿cómo serán sus vidas? ¿serán ricas o tendrán problemas económicos?), sino que muestra la universalidad de esta experiencia mediante las imágenes de los niños todavía enrojecidos en el pecho de sus madres, quienes  todavía muestran en sus vientres las marcas del parto, manteniendo con orgullo su exhibición frente a la cámara fotográfica. Sus expresiones son de cansancio, de orgullo, de triunfo pero a la vez de una ternura infinita. Las New Mothers no son más que una continuación de las Beach Series al seguir profundizando en el concepto de transformación/transición/evolución: del mismo modo que los adolescentes retratados en las Beach Series mostraban en sus cuerpos semidesnudos las señales del cambio de la pubertad, estas mujeres muestran en su desnudez otro tipo de cambio o transición radical en sus vidas tras haberse convertido en madres. Las fechas en las que fueron tomadas las fotografías mostraban la evolución o rumbo que toma ese cambio: una hora después del parto (Julie), un día después del parto (Tecla), y una semana después del parto (Saskia). El más conmovedor y complejo de estos retratos  es sin duda el de Julie:  en lugar de presentarnos un estado emocional claro la artista nos obsequia con una mezcla fascinante de emociones contradictorias, ya que la joven  madre mira a la cámara orgullosa pero a la vez asombrada, vulnerable y traumatizada.
  • Julie, Den Haag, Netherlands, February 29 1994:dijkstra_rineke_w02
  • Tecla, Amsterdam, Netherlands, May 16 1994:tecla-amsterdam-netherlands-may-16-1994
  • Saskia, Harderwijk, Netherlands, March 16 1994:saskia-harderwijk-netherlands-march-16-1994
PORTUGUESE MATADORSProsiguiendo con el interés de Dijkstra hacia las denominadas universal experiences, y de forma contemporánea a la serie de New Mothers, la artista crea la serie de Portuguese Matadors en claro contraste: si en la primera serie la artista mostraba el momento existencial del nacimiento en las mujeres,  en la segunda lo que se refleja es el momento existencial de la muerte en la figura de hombres. Para ello, durante una estancia en Portugal fotografió toreros justo antes o después de salir al ruedo. La tensión está reflejada en sus rostros, pero también es visible el cansancio, la satisfacción y la incertidumbre ante el peligro y la muerte. Para las maternidades resultaba imprescindible contemplar la desnudez de sus cuerpos para poder apreciar las suturas y marcas del parto, pero para los toreros resulta suficiente contemplar sus rostros y expresiones faciales. En Villa Franca, Portugal 8 May 1994, por ejemplo, las manchas de sangre  de la bestia en el cuello de la camisa blanca, y los rasgones del traje de torero, atestiguan que el hombre ha conseguido subyugar y dominar al animal, pudiendo capear con éxito la faena.rinekedijkstra05Tanto los retratos de madres como los de toreros hacen referencia a una experiencia que genera fuertes emociones (dolor, miedo, angustia) pero sin mencionarla directamente. Sin embargo, mientras las madres realizan semejante esfuerzo físico como señal de amor, los toreros buscan esta experiencia como una aventura. La crudeza de ambas series de fotografías, y las similitudes, diferencias y contradicciones que plantean, ayudan al espectador a reflexionar sobre los roles tradicionalmente asignados a la masculinidad y a la feminidad, que se encuentran profundamente enraizados en la sociedad.
CHILDRENDurante 1994 Dijkstra realizó un estudio fotográfico de los niños de los centros de acogida de Amsterdam para conseguir captar la soledad de aquellas criaturas, que nunca sonríen ante la cámara. Su mirada absorta o desviada los hace aparecer en una esfera de la que el espectador está excluido. Las series de fotografías de niños de Dijkstra corroboran, según ella misma, la facilidad con la que estos se dejan fotografiar, debido a la falta de inhibición existente en la niñez, que desaparecerá en la adolescencia. La infancia ofrece a la artista una gran fuente de inspiración por su naturalidad ante las cámaras: ya los había usado en sus Beach Portraits, pero continuará usándolos en trabajos sucesivos ya que logra sacar de ellos unas miradas y un lenguaje gestual tremendamente expresivo sobre su propia identidad aislada de la uniformidad colectiva en la que se mueve el mundo de los adultos.rinekedijkstra2
ISRAELI SOLDIERS
Invitada por el Herzliya Museum of Contemporary Art  Dijkstra concibió la idea de fotografiar durante dos años  a jóvenes israelíes durante el servicio militar, que representa un papel muy importante en sus vidas, ya que están obligados a servir a su país sin diferencia de sexo. Cada uno de sus retratos narra una trayectoria individual, pero en su conjunto componen el retrato de una sociedad como la israelí, ante una situación política dolorosa. Los modelos de la artista aparecen fotografiados en situaciones neutras, y su uniformidad  provoca que las convenciones sociales y culturales se debiliten ante el clasicismo compositivo y la sobriedad con la que el modelo es presentado. Los retratos se convierten, de este modo en un vehículo para la observación del uso, apariencia y significado social de los uniformes y la disciplina militar sobre la juventud, ya que esta uniformidad simboliza un rito de iniciación, un paso desde la adolescencia hacia la edad adulta, con todas las complicaciones que ello conlleva. Para documentar esta transición la artista realizó dos planteamientos:
  • Las chicas fueron fotografiadas sobre un fondo neutro en su primer día de servicio en uniforme y ropa civil. Se trata de un retrato de busto o plano medio-corto, que capta el cuerpo desde la mitad del pecho. Este plano permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención, y captar la belleza serena y apagada de estas jóvenes, quizás un poco asustadas y vulnerables por su presencia en un contexto que desconocen.656c9e3c5e
  • Los chicos, en cambio, fueron fotografiados vestidos con el equipo militar completo justo después de su primer ejercicio de tiro realizado en los Altos del Golán. En esta ocasión la artista emplea un plano entero o plano figura que encuadra la figura entera del personaje a fotografiar, desde los pies a la cabeza dando primacía  a la uniformidad y a la presencia de un arma en las manos de estos jóvenes sobre la individualidad que muestran sus caras, algunas orgullosas, llenas de espíritu aventurero,  pero otras tremendamente inseguras a pasar de intentar dar la sensación de poder y madurez exhibiendo su arma ante la cámara.vag-2005_10_2
SHANY y OLIVIERCon el objeto de estudiar más profundamente a la juventud en un entorno militar, la artista decidió realizar un seguimiento personalizado shany__palhamin_israeli_air_force_base__palhamin__israel__october_8__2002a dos jóvenes soldados desde el día que se alistaron en el ejército: Shany Palhamin, una chica que se alistó en el ejército de Israel, pero que poco más tarde decidió abandonar, y Olivier Silva. La serie Olivier nos muestra la metamorfosis progresiva de Olivier, un chico que cautivó la atención de la artista, y a quien no ha dejado de fotografiar anualmente, desde que a los 17 años decidiese alistarse en la Legión extranjera francesa, uno de los cuerpos militares mejor entrenados del mundo. En la progresión de fotografías se aprecia cómo el joven ha ido adoptando voluntariamente una identidad colectiva, que le proporciona una autoridad que va apareciendo poco a poco en su rostro, de modo que en las últimas imágenes ostenta ya los signos externos del puesto que ha elegido ocupar. Al igual que en la serie de Israeli Soldiers, Dijkstra muestra en esta serie la tensión existente entre los valores individuales y los de la comunidad, entre la identidad y la uniformidad.rineke_dijkstra_srie_olivier_silvat
ALMERISACon el fin de retratar el crecimiento a lo largo del tiempo de los sujetos de sus fotografías, la artista permanece con ellos a lo largo del tiempo, para así dar fe del desarrollo de estos jóvenes sometidos a ritos iniciáticos como la adolescencia o la niñez. Este es el caso de Almerisa, una joven bosnia  a la que conoció en 1994 en un centro de peticionarios de asilo político en los Países Bajos  a la que fotografió cada 2 años. Aquella niña de 6 años que llegó como refugiada de la antigua Yugoslavia, se convirtió primero en una adolescente desgarbada de 15 años con las uñas pintadas de negro, más tarde en una desafiante joven occidental, y ahora es una madre joven que posa orgullosa con su bebé en brazos.dijkstra1
SECONDARY STUDENTS
Las fotos de estudiantes de secundaria que Dijkstra realizó en varios institutos europeos entre 1998-2000 contienen algo de imaginación al delatar fragmentos de lo hasta entonces vivido en los gestos y en la fisonomía de los retratados, en su vestimenta o en los interiores o paisajes que sirven de fondo. La fase de la adolescencia, que está marcada tanto por la inseguridad como por la curiosidad y la voluntad de buscar nuevos horizontes, es una época en la que mucho resulta aún indefinido e imperceptible. No sabemos qué piensan de sí mismos ni cómo se ven pero su ropa y sus gestos uniformados dejan ver claramente una necesidad por  situarse en algún lugar cercano con respecto a los demás, en un intento por lograr una imagen propia a partir de modelos comunes. Nada se dice sobre el futuro de estos adolescentes, a los que la uniformidad gestual y/o de indumentaria no es suficiente para que resulten idénticos. Sin embargo esa aparente unidad sugiere cómo se sitúan los adolescentes respecto de los demás, en el momento en el que sienten la necesidad de dar una imagen de sí mismos y tienden a federarse en torno a modelos comunes. Por ello esta serie de Dijkstra pone de manifiesto más que ninguna otra el equilibrio o tensión existente entre lo que la gente quiere mostrar y lo que muestra sin ser consciente de ello.007dc457
PARK PORTRAITSDesde 2005 Dijkstra lleva trabajando en una serie de retratos realizados en parques como contextos y entornos decorativos. De este modo, parques de Amsterdam o Liverpool, NY o Xiamen, e incluso el madrileño Retiro o la Ciudadela de Barcelona soportan y escenifican las diferentes historias que resultan delante del objetivo de la artista. Son  complejos retratos llenos de fuerza y de vida, de complejidad. Cada una de las personas que retrata (la mayoría niños y adolescentes) parece desnudar su identidad en un único momento ante un disparo nada azaroso que busca la sensibilidad y la fragilidad de un instante bajo el disfraz de una aparente sencillez en la ejecución y en el planteamiento.05large
THE BUZZCLUB, LIVERPOOL, UK / MYSTERYCLUB, ZAANDAM, NL 1996-1997
Me interesa la paradoja entre identidad y uniformidad, el poder y la vulnerabilidad de cada individuo y cada grupo. Intento visualizar esta paradoja concentrándome en las poses, las actitudes, los gestos y las miradasrdijkstra_4in1buzz_lg
No fue hasta finales de los ’90 cuando Dijkstra comenzó a usar el video como soporte en el que reflejar sus intereses. Para la preparación de esta obra preguntó a un grupo de jóvenes procedentes de dos discotecas de ambiente muy distinto de Liverpool y Zaandam si querían ser filmados. Con una cámara fija en un estudio mal iluminado, la artista propuso a los jóvenes una variedad de escenarios a los que ellos responderían empleando el lenguaje gestual que habitualmente usarían. Vestidos como si salieran de noche, los adolescentes bailan “su” música, pero esta vez sin sentirse protegidos por la masa de otros jóvenes similares a ellos. Por el contrario, la fría pared blanca exagera sus movimientos hasta rozar el ridículo: las chicas intentan resaltar sus atributos femeninos con minivestidos y bailes pretendidamente sensuales, mientras que los chicos adoptan una pose previamente estudiada, mucho más estática, tratando de enfatizar una masculinidad y dureza de una forma rayana al patetismo. El siguiente vídeo realizado con un teléfono móvil es una reproducción un poco precaria de la obra en la Tate Liverpool:

<iframe width="640" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/XXjJXmp4ork?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>

ANNEMIEK (I WANNA BE WITH YOU)Algo tímida y con el gesto vergonzoso una preadolescente escucha y canta mirando a la cámara, la canción I Wanna be With You de la boy band de los ’90 Backstreet Boys. No hay ningún detalle de ella que la diferencie de otras chicas de su edad, ya que incluso su gusto por esa canción era común en las preadolescentes de aquella época, pero por lo menos el espectador sabe el nombre de esta joven: Annemiek. Aislada y con un fondo neutro Annemiek genera un sentimiento más frágil de lo que aparenta su mirada directa y sincera. Seguramente la canción esconde alguna experiencia importante en su vida, tal vez algún hecho crucial en una nueva fase emocional, pero eso queda para la imaginación del espectador quien escucha el karaoke de la chica con una mezcla de sentimientos que van desde la ternura a la vergüenza ajena.dijkstra_foto1

sábado, 26 de noviembre de 2011

ANTIMUSEO


El Antimuseo es un proyecto curatorial que experimenta sobre los mecanismos de legitimación de la obra de arte. Su trabajo se centra en el proceso social donde se produce el valor simbólico y económico de la obra de arte, así como en el análisis de la estructura y límites de la institución arte. 


En la primera etapa (92/94), con el nombre de Ojo Atómico, desarrollaron un programa de sitio específico en una antigua fábrica de Madrid. En la segunda (95/2000), sin sede propia, el programa de sitio específico se trasladó a distintos entornos: locales en desuso, viviendas, espacios públicos… En la tercera etapa (2003/07), con sede en la nave de Mantuano 25, Madrid, empezaron a investigar sistemáticamente sobre modelos de participación y de contextualizar la obra de arte en tejidos sociales específicos.
Tras el cierre de la sala de exposiciones en 2007, el proyecto se ha centrado en proyectos en el espacio público, como el programa del Centro Portátil de Arte Contemporáneo en México, 2009, y la exposición Mano a Mano con el General Cárdenas, Ciudad de México 2011, una serie de obras site specific en el monumento a este mandatario.

La nueva estructura de su web recoge estos proyectos en una categoría separada del archivo donde están registradas todas las demás exposiciones y actividades. El menú principal incluye otros dos conceptos: Teoría y Mercado.
En Teoría presentamos los análisis de los proyectos, mediantes textos y vídeos, reflexiones sobre el Antimuseo, o propuestas autónomas, como Tras los Signos en Rotación. En un futuro próximo tenemos previsto iniciar una revisión crítica de la obra de Juan Acha.
Por último la sección de Mercado es un nuevo ámbito de actividad para el Antimuseo, que ha creado Project Gallery para generar recursos propios. Esta es una iniciativa insólita en un proyecto tan marcado por los formatos no comerciales como lo ha sido el Ojo Atómico desde sus orígenes, pero la devastación de las políticas culturales, por un lado, y la cada vez mayor identificación que se da entre el espacio de circulación del discurso y el de la mercancía, por otro, convierten en un reto interesante en todos los aspectos.

Directores:

TOMÁS RUIZ-RIVAS

(Madrid, 1962). Curador independiente y artista visual. Es el fundador del Ojo Atómico, hoy Antimuseo. Su trabajo tiene dos centos de atención: la crítica institucional y el análisis de los conflictos del sistema artístico español. Como artista, Tom Lavin (su heterónimo) trabaja sobre la identidad española y la memoria histórica.

MARÍA MARÍA ACHA-KUTSCHER

Lima-Perú, 1968). Artista visual feminista. En su obra artística hay dos ejes fundamentales: el desarrollo de una propuesta feminista y la apertura de procesos creativos a la sociedad. Genera proyectos sobre la memoria histórica femenina y plantea problemas o situaciones que tienen que ver con el hecho de haber nacido mujer según el contexto político o cultural. Su trabajo cumple una doble función, la de ser un producto artístico y también un instrumento que pueda cubrir alguna necesidad social y contribuir a las transformaciones políticas. Trabaja entre Madrid y México.

Taller Antimuseo: Centro portátil  de arte contemporáneo

El taller consiste en la gestión de un proyecto en el Centro Portátil de Arte Contemporáneo. A lo largo del mismo se va a impulsar un proceso creativo colectivo con la participación de uno o más colectivos en riesgo de exclusión social en Madrid. Se podrá trabajar en un solo territorio o en distintas partes de la ciudad. Se producirá un video que documente todo el proceso. La duración del taller es indeterminada.



El Centro Portátil de Arte Contemporáneo es un dispositivo móvil y de bajo coste diseñado para el ensayo de nuevas experiencias en el ámbito de las artes visuales. Su función es detonar procesos creativos en el tejido urbano. El CPAC crea una conexión entre las estrategias de re-apropiación del espacio público de colectivos marginados – minorías raciales, vendedores ambulantes, prostitutas, inmigrantes, homosexuales en contextos represivos, determinados colectivos femeninos… – y prácticas artísticas que inciden directamente en la ciudad. En términos generales se trata de generar un modelo práctico y metafórico capaz de operar en un mundo desterritorializado, donde el espacio se compone de múltiples capas interpenetradas y el lugar ha sido substituido por el flujo. Una institución que refleje la realidad de las ciudades actuales, espectacularizadas en sus centros y fragmentadas en sus bordes. Una institución capaz de transitar entre los espacios de representación cultural hegemónica – bienales de arte, centros históricos o áreas monumentales, eventos culturales con gran proyección mediática – y los espacios degradados de las periferias urbanas, donde emergen las prácticas sociales y culturales de las clases menos favorecidas.

F.I.E.S Nuria Güell

NURIA GÜELL SERRA



La polémica artista Nuria Güell visita la facultad de Bellas Artes, presentando el taller de su último proyecto F.I.E.S Aplicación legal desplazada#3 y explicando su trayectoría.




Nació en Vidreres (Girona), 1981.
Formada entre Barcelona y La Habana en el ámbito de las artes plásticas.
Su principal interés consiste en representar la ética practicada por las Instituciones que nos gobiernan.
Ha tomado parte en numerosos proyectos de índole social, en el que se exponían comportamientos o regulaciones por parte de las instituciones que “velan por nuestro bien” en los que se ningunean los derechos humanos o se doblan a favor de los intereses de las clases más acomodadas.
Problemas de inmigración, de la censura de la información por parte de las autoridades cubanas (proyecto Acceso a lo Denegado en La Habana)...
Retrata el inconformismo y descontento de los jóvenes que notan cómo sus vidas están siendo controladas y a los que se les impide desarrollarse y volar libremente debido a las restricciones sociales impuestas (Para Fouché).
En sus proyectos ataca repetidamente a los bancos, ideando planes para expropiarles del dinero con el que especulan y prestan a los ciudadanos.




Coordinó la creación del libro “Cómo expropiar a los bancos” (Nuria Güell, Qmunty, Enric Duran, Simona Sarau, Col·lectiu Crisi y Lucio Urtubia), que es un manual bilingüe (castellano/català)del ámbito de la economía, en el que se describe cómo pedir préstamos a los bancos y nunca devolverlos.
"Repienso la ética practicada por las Instituciones que nos gobiernan. Me interesa detectar los abusos permitidos por la “legalidad” establecida.
Analizo como los mecanismos de poder paralelamente crean estrategias de control, que implican una toma de poder de la subjetividad, incidiendo en nuestros esquemas de conducta, de pensamiento y de sentido, como son: la política de seguridad, la tiranía del tiempo, la estandarización del deseo y la codificación del espacio urbano.




Este análisis me lleva tanto a visibilizar sus estrategias como a generar nuevas, con el objetivo de transgredir y/o poner en crisis las establecidas. Para ello suelo provocar interferencias en el entorno cotidiano mediante determinadas acciones “agujereando” la realidad y la obviedad que la acompaña, creando otras realidades posibles, alterando las relaciones de poder instauradas."


Proyectos

 

Post it City


Centrocentro

 

Post-it City es elconcepto acuñado por Giovanni La Varra para denominar «un dispositivo de funcionamiento de la ciudad contemporánea que concierne a las dinámicas de la vida colectiva fuera de los canales convencionales». Los fenómenos capaces de acogerse a esta suerte de microcategoría apuntan directamente a los modos de ocupación temporal del espacio público para distintas actividades (comerciales, lúdicas, sexuales,…) de un modo ajeno a lo impuesto por códigos políticos. Sobre esta base, inician este proyecto de investigación y de archivo –interpretando el concepto de un modo conscientemente amplio– convencidos de que, tras las situaciones post-it localizadas en contextos muy dispares, podrían desvelarse necesidades concretas que fracturan determinados contextos sociales y, al mismo tiempo, habilidades subjetivas en la tarea de reconquistar el espacio público frente a la presión institucional a la que está sometido. El resultado, abierto a distintas ampliaciones y correcciones, así lo confirma; pero el conjunto de materiales que aquí se recoge también deja ver distintos problemas y paradojas que afectan al talante general del proyecto. En este texto vamos a intentar reconocer estos problemas, así como a ordenarlos de tal modo que nuestra argumentación actúe como un primer balance autocrítico.

el proyecto da lugar a una doble reflexisión: En primer lugar, se trata de acentuar la  relación entre el concepto post-it city y las distintos llamamientos al urbanismo informal como estrategia de réplica a la ciudad planificada. Esta defensa de la informalidad está vinculada a las sociedades organizadas y desarrolladas, y a su necesidad de encontrar modelos de prácticas contrarias, cuando no literalmente libres. En este estado, habremos pues de calibrar la verdadera dimensión política de los fenómenos post-it en tanto que situaciones llenas de una subjetividad rebelde, pero, de inmediato, se convierte en imperativa una nueva cuestión: la discutible legitimidad de esta fascinación por lo informal cuando estos mismos contextos sociales han multiplicado (y extendido) unas dinámicas de exclusión y marginación que, muy a menudo, promueven ocupaciones temporales del espacio público como mera alternativa de supervivencia; dicho de otro modo, a la primera posibilidad de encumbrar la idea de post-it city como posible modelo de unas prácticas subjetivas de renovado potencial político, hay que añadir la obligación de analizar estas mismas prácticas en su calidad de signo explícito de una precariedad social. Todavía más escueto: asistimos a una progresiva y sigilosa identificación entre la libertad y la marginalidad, de modo quoe es imperativo idear mecanismos para rescatar a la primera y denunciar a la segunda. Esta es la exigencia del proyecto

La exposición vigente en el centro de arte CentroCentro recoge las más de noventa muestras documentadas que avalán este fenómeno:

001 Taipei: prototype of urbanity.
002 Tu parte salada
003 Unreal states of China
004 Jarmark Europa
005 Street vending in Los Angeles
006 Economic borders
007 Sâo Paulo City Tellers
008 StreetFood Hanoi
009 Street economy archive
010 Cross-borders suburbias
011 Abu Dis
012 Schengen, el castillo
013 Scary asian men
014 Baneusenhausen
015 Buffer zone, Nicosia
016 Postprogrammed city-territory: Farkadona
017 Movimenti di confine
018 Tinduf
019 Tokio voids
020 Old wreck city
021 Garde L'Est
022 Informal urbanism
023 Chatarstvi
024 Prótesis del nuevo éxodo
025 Loisaida
026 Carpets Blankets
027 República de Venezuela
028 El 7
029 Proyecto Perú
030 Balneario Mapocho rive
031 Kantuta
032 Cora Garrido
033 Los diablos rojos
034 Jugar contra la corriente
035 A 50cm del suelo
036 Am hauptplatz, im wald
037 Gas station
38 Artificial arcadia
039 Minibar
040 Do and Undo
041 All city writers
042 Big sexiland
043 Parco
044 Brakin-Mobile phones
045 Microindústries de jardineria, Nairobi
046 Ansar
047 Utopian debris
048 Maha Kumbh Mela
049 Zeyntinburnu
050 Situacions Barcelona
051 (In)Cívic
052 Rieres/Rambles
053 Sundaying city
054 Idea-Lista.org
055 La ciudad jubilada
056 Barcelona és botiga
057 Urban intimacy
058 Información para el ciudadano sobre ...
059 HOMEstreetHOME
060 Proyecto Palitos
061 BCN XUTA. Baixa al carrer i marca un gol!
061B Redes sociales del deporte en ...
062 Belgrad
063 Porto
064 Berlin
065 Viena
066 Volos
067 València
068 Sevilla / Còrdoba / Málaga / Huelva
069 Denver / Glasgow / Morelia / Roma
070 Buenos Aires
071 Sâo Paulo
072 Santiago de Chile
073 Valparaiso
074 Bogotá
075 Panamá
076 Roulotte:04 Post-it city. Ciutats Ocasionals
077 BLOCK Magazine /04 Occasional Cities
078 SPAM_arq Vol.4 SPAM_city
079 Reapropiaciones
080 Convite de almas
081 Genealogia de...
082 Overlock
083 YTIC TI TSOP LIMA
084 Angelitos
085 Dia del migrante
086 Ciudades hechizo...
087 Jardin se...
088 Losa en una...
089 Parcelas vacantes
090 Ocupación invisible
091 Strada del sesso
 

sábado, 12 de noviembre de 2011

Emergencias


Qué me mueve a crear. Mi principal motivación a la hora de crear algo ha sido siempre el hecho de poder comunicar sentimientos, emociones e ideas desde las imágenes, expresar cómo y quién soy yo, adoptar una identidad y un lenguaje propio. Lo que más me mueve a trabajar es el anhelo por adquirir una identidad pictórica, la construcción de un mundo propio que me defina e identifique, que calme mis pasiones, mis deseos, pero sobretodo sobre todo  quiero disfrutar de la realización de la obra, vivir la construcción de lo que hago, se podría decir que lo que me mueve es la mera necesidad de hacer arte y el puro placer de contemplarlo que intento incitar con ello.
A nivel intelectual, principalmente me preocupa la falta de sensibilidad y solidaridad que hay en la sociedad, sobretodo en el mundo moderno y globalizado en el que vivimos hoy donde lo íntimo y el cultivar de los buenos sentimientos queda relegado por la aceleración, la avaricia y la competitividad. Mi arte quiero que se base en los sentimientos de la inocencia y en el saber obtener placer de los pequeños detalles en el que busco que el espectador sea consciente de ello y reflexione. Se podría decir que mi propósito es llegar a la parte humana de la gente, provocar en ella una reflexión sobre lo que a mi juicio es importante cuidar en la vida. Ser feliz y disfrutar de las pequeñas cosas.
Entre mis emergencias también se encuentran:
-Ponerme en contacto con las tendencias actuales del arte.
-Buscarle un sentido más teórico a lo que hago.
Desde dónde hablo. Hablo desde mis propias experiencias, desde mis sueños, desde mis fantasías e ilusiones, desde mis invenciones, desde el humor y el aprender a reírse de uno mismo y de la sociedad. Y a partir de ahora, también quiero hablar un poco desde lo externo a mí, desde la sociedad.
A quién hablo. Mi receptor es todo el que quiera apreciar mi trabajo. En un principio puede parecer que todo lo hago por placer personal y para mí misma, pero siempre tengo en cuenta al posible receptor que se sienta identificado. Mi objetivo es llegar a los demás y no quedarme en un monólogo cerrado.

Influencias. A lo que me gustaría llegar.

Jose Luis Serzo, un artista próximo a la ilustración, recrea todo un universo de fantasía y sueños, dando vida a personajes surrealistas y disparatados que encarnan diferentes facetas del ser humano y que  llenan de optimismo y fé a sus espectadores.





 Will Cotton, pintor interesado en iconografía popular, obsesionado con la sensualidad onírica del cuerpo femenino puesto en relación directa con los sentidos del gusto y de la vista, creando un mundo de dulces, pasteles, y nubes del algodón donde bellas mujeres desnudas disfrutan de degustar. Un arte para el deleite.



Julie Heffernan, Surrealismo barroco cargado de símbolos. La artista se aventura en las regiones más recónditas del subconsciente y expresa esas vivencias a partir del arte. Su estética se caracteriza por fundir lo orgánico y lo artificial en una sola esencia.




Lisa Yuskavage, su obra gira en torno a la representación de la mujer, condicionada por los estereotipos que la sociedad le atribuye. A modo de ilustraciones caricaturescas, la artista deforma  exageradamente las curvas. Prestando especial atención a sus rostros, todas estas mujeres dejan muy poco ver su mirada lo que transmite su incomodidad, y de esta manera los lienzos reflejan cierta crítica con esta condición machista de la sociedad que trata a las mujeres como objetos.