sábado, 26 de noviembre de 2011

ANTIMUSEO


El Antimuseo es un proyecto curatorial que experimenta sobre los mecanismos de legitimación de la obra de arte. Su trabajo se centra en el proceso social donde se produce el valor simbólico y económico de la obra de arte, así como en el análisis de la estructura y límites de la institución arte. 


En la primera etapa (92/94), con el nombre de Ojo Atómico, desarrollaron un programa de sitio específico en una antigua fábrica de Madrid. En la segunda (95/2000), sin sede propia, el programa de sitio específico se trasladó a distintos entornos: locales en desuso, viviendas, espacios públicos… En la tercera etapa (2003/07), con sede en la nave de Mantuano 25, Madrid, empezaron a investigar sistemáticamente sobre modelos de participación y de contextualizar la obra de arte en tejidos sociales específicos.
Tras el cierre de la sala de exposiciones en 2007, el proyecto se ha centrado en proyectos en el espacio público, como el programa del Centro Portátil de Arte Contemporáneo en México, 2009, y la exposición Mano a Mano con el General Cárdenas, Ciudad de México 2011, una serie de obras site specific en el monumento a este mandatario.

La nueva estructura de su web recoge estos proyectos en una categoría separada del archivo donde están registradas todas las demás exposiciones y actividades. El menú principal incluye otros dos conceptos: Teoría y Mercado.
En Teoría presentamos los análisis de los proyectos, mediantes textos y vídeos, reflexiones sobre el Antimuseo, o propuestas autónomas, como Tras los Signos en Rotación. En un futuro próximo tenemos previsto iniciar una revisión crítica de la obra de Juan Acha.
Por último la sección de Mercado es un nuevo ámbito de actividad para el Antimuseo, que ha creado Project Gallery para generar recursos propios. Esta es una iniciativa insólita en un proyecto tan marcado por los formatos no comerciales como lo ha sido el Ojo Atómico desde sus orígenes, pero la devastación de las políticas culturales, por un lado, y la cada vez mayor identificación que se da entre el espacio de circulación del discurso y el de la mercancía, por otro, convierten en un reto interesante en todos los aspectos.

Directores:

TOMÁS RUIZ-RIVAS

(Madrid, 1962). Curador independiente y artista visual. Es el fundador del Ojo Atómico, hoy Antimuseo. Su trabajo tiene dos centos de atención: la crítica institucional y el análisis de los conflictos del sistema artístico español. Como artista, Tom Lavin (su heterónimo) trabaja sobre la identidad española y la memoria histórica.

MARÍA MARÍA ACHA-KUTSCHER

Lima-Perú, 1968). Artista visual feminista. En su obra artística hay dos ejes fundamentales: el desarrollo de una propuesta feminista y la apertura de procesos creativos a la sociedad. Genera proyectos sobre la memoria histórica femenina y plantea problemas o situaciones que tienen que ver con el hecho de haber nacido mujer según el contexto político o cultural. Su trabajo cumple una doble función, la de ser un producto artístico y también un instrumento que pueda cubrir alguna necesidad social y contribuir a las transformaciones políticas. Trabaja entre Madrid y México.

Taller Antimuseo: Centro portátil  de arte contemporáneo

El taller consiste en la gestión de un proyecto en el Centro Portátil de Arte Contemporáneo. A lo largo del mismo se va a impulsar un proceso creativo colectivo con la participación de uno o más colectivos en riesgo de exclusión social en Madrid. Se podrá trabajar en un solo territorio o en distintas partes de la ciudad. Se producirá un video que documente todo el proceso. La duración del taller es indeterminada.



El Centro Portátil de Arte Contemporáneo es un dispositivo móvil y de bajo coste diseñado para el ensayo de nuevas experiencias en el ámbito de las artes visuales. Su función es detonar procesos creativos en el tejido urbano. El CPAC crea una conexión entre las estrategias de re-apropiación del espacio público de colectivos marginados – minorías raciales, vendedores ambulantes, prostitutas, inmigrantes, homosexuales en contextos represivos, determinados colectivos femeninos… – y prácticas artísticas que inciden directamente en la ciudad. En términos generales se trata de generar un modelo práctico y metafórico capaz de operar en un mundo desterritorializado, donde el espacio se compone de múltiples capas interpenetradas y el lugar ha sido substituido por el flujo. Una institución que refleje la realidad de las ciudades actuales, espectacularizadas en sus centros y fragmentadas en sus bordes. Una institución capaz de transitar entre los espacios de representación cultural hegemónica – bienales de arte, centros históricos o áreas monumentales, eventos culturales con gran proyección mediática – y los espacios degradados de las periferias urbanas, donde emergen las prácticas sociales y culturales de las clases menos favorecidas.

F.I.E.S Nuria Güell

NURIA GÜELL SERRA



La polémica artista Nuria Güell visita la facultad de Bellas Artes, presentando el taller de su último proyecto F.I.E.S Aplicación legal desplazada#3 y explicando su trayectoría.




Nació en Vidreres (Girona), 1981.
Formada entre Barcelona y La Habana en el ámbito de las artes plásticas.
Su principal interés consiste en representar la ética practicada por las Instituciones que nos gobiernan.
Ha tomado parte en numerosos proyectos de índole social, en el que se exponían comportamientos o regulaciones por parte de las instituciones que “velan por nuestro bien” en los que se ningunean los derechos humanos o se doblan a favor de los intereses de las clases más acomodadas.
Problemas de inmigración, de la censura de la información por parte de las autoridades cubanas (proyecto Acceso a lo Denegado en La Habana)...
Retrata el inconformismo y descontento de los jóvenes que notan cómo sus vidas están siendo controladas y a los que se les impide desarrollarse y volar libremente debido a las restricciones sociales impuestas (Para Fouché).
En sus proyectos ataca repetidamente a los bancos, ideando planes para expropiarles del dinero con el que especulan y prestan a los ciudadanos.




Coordinó la creación del libro “Cómo expropiar a los bancos” (Nuria Güell, Qmunty, Enric Duran, Simona Sarau, Col·lectiu Crisi y Lucio Urtubia), que es un manual bilingüe (castellano/català)del ámbito de la economía, en el que se describe cómo pedir préstamos a los bancos y nunca devolverlos.
"Repienso la ética practicada por las Instituciones que nos gobiernan. Me interesa detectar los abusos permitidos por la “legalidad” establecida.
Analizo como los mecanismos de poder paralelamente crean estrategias de control, que implican una toma de poder de la subjetividad, incidiendo en nuestros esquemas de conducta, de pensamiento y de sentido, como son: la política de seguridad, la tiranía del tiempo, la estandarización del deseo y la codificación del espacio urbano.




Este análisis me lleva tanto a visibilizar sus estrategias como a generar nuevas, con el objetivo de transgredir y/o poner en crisis las establecidas. Para ello suelo provocar interferencias en el entorno cotidiano mediante determinadas acciones “agujereando” la realidad y la obviedad que la acompaña, creando otras realidades posibles, alterando las relaciones de poder instauradas."


Proyectos

 

Post it City


Centrocentro

 

Post-it City es elconcepto acuñado por Giovanni La Varra para denominar «un dispositivo de funcionamiento de la ciudad contemporánea que concierne a las dinámicas de la vida colectiva fuera de los canales convencionales». Los fenómenos capaces de acogerse a esta suerte de microcategoría apuntan directamente a los modos de ocupación temporal del espacio público para distintas actividades (comerciales, lúdicas, sexuales,…) de un modo ajeno a lo impuesto por códigos políticos. Sobre esta base, inician este proyecto de investigación y de archivo –interpretando el concepto de un modo conscientemente amplio– convencidos de que, tras las situaciones post-it localizadas en contextos muy dispares, podrían desvelarse necesidades concretas que fracturan determinados contextos sociales y, al mismo tiempo, habilidades subjetivas en la tarea de reconquistar el espacio público frente a la presión institucional a la que está sometido. El resultado, abierto a distintas ampliaciones y correcciones, así lo confirma; pero el conjunto de materiales que aquí se recoge también deja ver distintos problemas y paradojas que afectan al talante general del proyecto. En este texto vamos a intentar reconocer estos problemas, así como a ordenarlos de tal modo que nuestra argumentación actúe como un primer balance autocrítico.

el proyecto da lugar a una doble reflexisión: En primer lugar, se trata de acentuar la  relación entre el concepto post-it city y las distintos llamamientos al urbanismo informal como estrategia de réplica a la ciudad planificada. Esta defensa de la informalidad está vinculada a las sociedades organizadas y desarrolladas, y a su necesidad de encontrar modelos de prácticas contrarias, cuando no literalmente libres. En este estado, habremos pues de calibrar la verdadera dimensión política de los fenómenos post-it en tanto que situaciones llenas de una subjetividad rebelde, pero, de inmediato, se convierte en imperativa una nueva cuestión: la discutible legitimidad de esta fascinación por lo informal cuando estos mismos contextos sociales han multiplicado (y extendido) unas dinámicas de exclusión y marginación que, muy a menudo, promueven ocupaciones temporales del espacio público como mera alternativa de supervivencia; dicho de otro modo, a la primera posibilidad de encumbrar la idea de post-it city como posible modelo de unas prácticas subjetivas de renovado potencial político, hay que añadir la obligación de analizar estas mismas prácticas en su calidad de signo explícito de una precariedad social. Todavía más escueto: asistimos a una progresiva y sigilosa identificación entre la libertad y la marginalidad, de modo quoe es imperativo idear mecanismos para rescatar a la primera y denunciar a la segunda. Esta es la exigencia del proyecto

La exposición vigente en el centro de arte CentroCentro recoge las más de noventa muestras documentadas que avalán este fenómeno:

001 Taipei: prototype of urbanity.
002 Tu parte salada
003 Unreal states of China
004 Jarmark Europa
005 Street vending in Los Angeles
006 Economic borders
007 Sâo Paulo City Tellers
008 StreetFood Hanoi
009 Street economy archive
010 Cross-borders suburbias
011 Abu Dis
012 Schengen, el castillo
013 Scary asian men
014 Baneusenhausen
015 Buffer zone, Nicosia
016 Postprogrammed city-territory: Farkadona
017 Movimenti di confine
018 Tinduf
019 Tokio voids
020 Old wreck city
021 Garde L'Est
022 Informal urbanism
023 Chatarstvi
024 Prótesis del nuevo éxodo
025 Loisaida
026 Carpets Blankets
027 República de Venezuela
028 El 7
029 Proyecto Perú
030 Balneario Mapocho rive
031 Kantuta
032 Cora Garrido
033 Los diablos rojos
034 Jugar contra la corriente
035 A 50cm del suelo
036 Am hauptplatz, im wald
037 Gas station
38 Artificial arcadia
039 Minibar
040 Do and Undo
041 All city writers
042 Big sexiland
043 Parco
044 Brakin-Mobile phones
045 Microindústries de jardineria, Nairobi
046 Ansar
047 Utopian debris
048 Maha Kumbh Mela
049 Zeyntinburnu
050 Situacions Barcelona
051 (In)Cívic
052 Rieres/Rambles
053 Sundaying city
054 Idea-Lista.org
055 La ciudad jubilada
056 Barcelona és botiga
057 Urban intimacy
058 Información para el ciudadano sobre ...
059 HOMEstreetHOME
060 Proyecto Palitos
061 BCN XUTA. Baixa al carrer i marca un gol!
061B Redes sociales del deporte en ...
062 Belgrad
063 Porto
064 Berlin
065 Viena
066 Volos
067 València
068 Sevilla / Còrdoba / Málaga / Huelva
069 Denver / Glasgow / Morelia / Roma
070 Buenos Aires
071 Sâo Paulo
072 Santiago de Chile
073 Valparaiso
074 Bogotá
075 Panamá
076 Roulotte:04 Post-it city. Ciutats Ocasionals
077 BLOCK Magazine /04 Occasional Cities
078 SPAM_arq Vol.4 SPAM_city
079 Reapropiaciones
080 Convite de almas
081 Genealogia de...
082 Overlock
083 YTIC TI TSOP LIMA
084 Angelitos
085 Dia del migrante
086 Ciudades hechizo...
087 Jardin se...
088 Losa en una...
089 Parcelas vacantes
090 Ocupación invisible
091 Strada del sesso
 

sábado, 12 de noviembre de 2011

Emergencias


Qué me mueve a crear. Mi principal motivación a la hora de crear algo ha sido siempre el hecho de poder comunicar sentimientos, emociones e ideas desde las imágenes, expresar cómo y quién soy yo, adoptar una identidad y un lenguaje propio. Lo que más me mueve a trabajar es el anhelo por adquirir una identidad pictórica, la construcción de un mundo propio que me defina e identifique, que calme mis pasiones, mis deseos, pero sobretodo sobre todo  quiero disfrutar de la realización de la obra, vivir la construcción de lo que hago, se podría decir que lo que me mueve es la mera necesidad de hacer arte y el puro placer de contemplarlo que intento incitar con ello.
A nivel intelectual, principalmente me preocupa la falta de sensibilidad y solidaridad que hay en la sociedad, sobretodo en el mundo moderno y globalizado en el que vivimos hoy donde lo íntimo y el cultivar de los buenos sentimientos queda relegado por la aceleración, la avaricia y la competitividad. Mi arte quiero que se base en los sentimientos de la inocencia y en el saber obtener placer de los pequeños detalles en el que busco que el espectador sea consciente de ello y reflexione. Se podría decir que mi propósito es llegar a la parte humana de la gente, provocar en ella una reflexión sobre lo que a mi juicio es importante cuidar en la vida. Ser feliz y disfrutar de las pequeñas cosas.
Entre mis emergencias también se encuentran:
-Ponerme en contacto con las tendencias actuales del arte.
-Buscarle un sentido más teórico a lo que hago.
Desde dónde hablo. Hablo desde mis propias experiencias, desde mis sueños, desde mis fantasías e ilusiones, desde mis invenciones, desde el humor y el aprender a reírse de uno mismo y de la sociedad. Y a partir de ahora, también quiero hablar un poco desde lo externo a mí, desde la sociedad.
A quién hablo. Mi receptor es todo el que quiera apreciar mi trabajo. En un principio puede parecer que todo lo hago por placer personal y para mí misma, pero siempre tengo en cuenta al posible receptor que se sienta identificado. Mi objetivo es llegar a los demás y no quedarme en un monólogo cerrado.

Influencias. A lo que me gustaría llegar.

Jose Luis Serzo, un artista próximo a la ilustración, recrea todo un universo de fantasía y sueños, dando vida a personajes surrealistas y disparatados que encarnan diferentes facetas del ser humano y que  llenan de optimismo y fé a sus espectadores.





 Will Cotton, pintor interesado en iconografía popular, obsesionado con la sensualidad onírica del cuerpo femenino puesto en relación directa con los sentidos del gusto y de la vista, creando un mundo de dulces, pasteles, y nubes del algodón donde bellas mujeres desnudas disfrutan de degustar. Un arte para el deleite.



Julie Heffernan, Surrealismo barroco cargado de símbolos. La artista se aventura en las regiones más recónditas del subconsciente y expresa esas vivencias a partir del arte. Su estética se caracteriza por fundir lo orgánico y lo artificial en una sola esencia.




Lisa Yuskavage, su obra gira en torno a la representación de la mujer, condicionada por los estereotipos que la sociedad le atribuye. A modo de ilustraciones caricaturescas, la artista deforma  exageradamente las curvas. Prestando especial atención a sus rostros, todas estas mujeres dejan muy poco ver su mirada lo que transmite su incomodidad, y de esta manera los lienzos reflejan cierta crítica con esta condición machista de la sociedad que trata a las mujeres como objetos.




 

viernes, 11 de noviembre de 2011

Grupo de trabajo: Medialab Prado. Intimidades metropolitanas

MediaLab Prado: Intimidades metropolitanas


Serie de talleres sobre la intimidad en el entorno urbano. El grupo de Cultura Urbana (UNED) propone un trabajo colectivo de exploración del habitar urbano contemporáneo, un viaje compartido a los interiores madrileños de nuestro tiempo.
Sesiones: Nombrar lo cotidiano (11 de octubre), Sentirse en casa (25 octubre), Hi-Fi Home (8 noviembre), Cuerpos con historia (22 noviembre), Sangre, Agua y Vino (29 noviembre) y De adentro afuera (13 diciembre). Sesiones independientes. Inscripción previa (gratuita). Plazas limitadas. 
Lugares de celebración: Medialab-Prado, CSA La Tabacalera, Off Limits y dnx | Designit

Este taller propone un trabajo colectivo de exploración del habitar urbano contemporáneo, un viaje compartido a los interiores madrileños de nuestro tiempo. ¿De qué está hecho eso que denominamos “lo íntimo”, “lo doméstico”, “lo privado”? ¿Cómo cambia nuestro entorno más cercano a raíz de los cambios mayores que experimenta la urbe? Al hacerse más grande -globalizarse, dualizarse, cosmopolitizarse, fragmentarse, segregarse, digitalizarse- el espacio público se densifica, sus cambios se aceleran. ¿Cómo se vive esto dentro de las casas? ¿De qué maneras afecta al uso de los espacios íntimos, a las nociones mismas de privacidad y cotidianeidad?
Este es el tema del proyecto Poéticas de la vida cotidiana que realizamos actualmente en el contexto de un trabajo mayor, Prácticas emergentes en el Nuevo Madrid, junto con una decena de investigadores interesados en cambios recientes que tienen lugar en diversas esferas de la vida de nuestra ciudad1.
El taller consta de seis sesiones, con una periodicidad aproximadamente quincenal, entre el 11 de octubre y el 15 de diciembre de 2011. Salvo la última de ellas, se celebrarán los martes de 18:00 a 20:00 horas. Estará abierto tanto a participantes con continuidad en el trabajo a lo largo de las sesiones como a personas que puedan querer asistir sólo a alguna. El lugar de celebración irá rotando por una diversidad de espacios de la escena cultural madrileña: Medialab-Prado, CSA La Tabacalera, Off Limits, dnx | Designit. Pensamos que en todos estos lugares se albergan formas de creación colectiva capaces de inspirar a los participantes, abrazando una diversidad de sensibilidades y tendencias."
Por Francisco Cruces y el grupo Cultura Urbana, animadores del taller. Proyecto Prácticas culturales emergentes en el Nuevo Madrid (Ministerio de Ciencia e Innovación)




Mi experiencia

En mi incorporación al grupo de investigación, Intimidades Metropolitanas, en el taller número 3, Hi-Fi Home, tuve el placer de participar en un interesante y activo coloquio sobre lo que representan los equipamientos domésticos (ordenadores, televisión, móviles... etc,) en nuestras relaciones con los demás y a la hora de buscar y desarrollar nuestra intimidad. Compartimos interesantes historias sobre nuestras experiencias con las máquinas, como nos afectan, de qué nos sirven, como configuran nuestra vida en familia, o simplemente que cambios sociales producen. 
El moderador y administrador de las propuestas es Francisco Cruces, profesor de antropología de en el Departamento de Antropología Social y Cultural de la UNED. Sus investigaciones versan sobre diversas manifestaciones simbólicas de la cultura popular (música, fiestas, marchas, oralidad, rituales) que aborda desde una perspectiva dialógica y performativa. Es coautor de Rituales y proceso social (1991); La ciudad emergente (1994); Las culturas musicales (2001); La sonrisa de la institución (2006); Símbolos en la ciudad. Lecturas de antropología urbana (2006); y Textos de antropología contemporánea (2010). La mayoría de sus trabajos abordan lo urbano desde una perspectiva simbólica, tratando de desenmarañar los procesos de individuación y repersonalización propios del capitalismo tardío.
El objetivo de las reuniones es un intercambio cultural y personal con los participantes y del mismo modo servir parte de investigación a Francisco Cruces para confeccionar una tesis sobre el tema, intimidades metropolitanas.

El grupo o taller pone a disposición una wikis creada a partir de la investigación --->  http://practicemad.net/talleres donde los participantes podran colgar todas las reflexiones, historias y experiencias además de trabajos  que se van proponiendo (gráficos, dibujos, fotos) y que apoyan los temas tratados.

A priori el grupo no me sugiere la realización de un proyecto colectivo, la orientación del taller no parece encaminada al desarrollo de un proyecto artistico en grupo, por lo que seguireéasistiendo a las reuniones por interés personal pero me involucraré en otro proyecto  colectivo con más futuro.


Exposición: Rheingau. AXEL HÜTTE


Axel Hütte
Rheingau

Galería Helga de Alvear


La galería Helga de Alvear recoge estos días el reciente proyecto del fotógrafo Axel Hütte. La exposición consta de cinco fotografías y dos montajes impresos a gran tamaño sobre el paisaje. El fotógrafo trata de trasmitir con su trabajo, esa parte intangible de la naturaleza, componiendo unas imágenes que casi rozan la abstracción.
Los paisajes que encierran sus fotografías pertenecen a la región de Rheingau, nombre con el que da título a su exposición, aunque sus imágenes no sean las típicas fotos que definen la comarca, sino que podrían haber sido hechas en cualquier otra parte del mundo y eso es mi entender lo que le da todo el carácter a esta obra. Lo cotidiano y bello de un lugar en lo que no se repara cuando vas de visita.
La región de Rheingau a orillas del rio Rin es famosa por sus vinos y también por sus paisajes llenos de castillos y monasterios abandonados, lo que han convertido al  territorio en un punto clave para el turismo del siglo XIX. Con la aparición de la fotografía, la distribución de souvenirs y recuerdos en forma de imágenes (postales) empieza su desarrollo. Estas imágenes que se difunden por todo el mundo comienzan a fijar un imaginario colectivo de gran fuerza.


Axel Hütte realiza una investigación sobre el proceso de creación y fijación de imágenes y memoria colectiva, que lleva a cabo mediante una selección de casi 300 postales que ponen en evidencia este modelo clásico de representación. El artista pone en contrapunto sus propias fotografías, reivindicando una visión personal e individual de ese mismo espacio.



Comentario crítico

Las fotografías de Axel, me resultan atractivas, tanto en su forma como en su discurso, el ojo creativo del artista encuentra en aquello nadie ve, lo bello, lo sublime o lo significativo. Él en concreto ha decidido centrarse en el  paisaje natural, casi abstracto que forman los planos de árboles y ramas, pero creo que el proyecto hubiese funcionado igualmente con fotos sobre puntos cotidianos del espacio urbano.

La presentación y montaje de las fotografías, personalmente me ha parecido impecable. Las fotografías podrían estar adheridas a un soporte rígido que podría ser cartón y todo ello va enmarcado con un cristal brillo que resulta un poco molesto al reflejar los fluorescentes de la sala. En cuando a la disposición, son pocas fotos, muy separadas entre sí, cada una de ellas ocupaba una pared de la sala que podía actuar como espacio de margen en cada una de ellas. Esto hace que nuestra atención se fije en cada una de ellas por separado sin que nos contaminemos o distraigamos con otros elementos. La composición del espacio a la hora de presentar las imágenes es algo a tener en cuenta a la hora de situar al espectador en tu muestra. La disposición es sobria pero acertada.

El espacio expositivo es minimalista, diáfano y amplio, lo que beneficia la visión de imágenes tan grandes. Es un espacio sencillo que enseguida te pone en conexión con la obra del artista ya que no tiene más que dos salas unidas por una espaciosa abertura que te permite considerar a primer golpe de vista lo que va a ser la exposición.

A lo Taschen


María Ayuso Esteban
1989, Madrid


La obra de María Ayuso comprende pintura y dibujo principalmente, su estilo próximo a la ilustración utiliza recursos del figurativismo para crear imágenes surrealistas, con algunos toques abstractos para crear las atmósferas en los fondos de sus escenas. La principal característica de sus pinturas es el tratamiento del color, pues es lo que más interesa a la artista, sugerir con sus ardientes colores, y llamativos contrastes cierta prestancia en sus cuadros. También, la creación de atractivas texturas utilizando la técnica del Dripping.  

La temática de los cuadros aborda asuntos mitológicos y de fantasía, con una apariencia, a veces, próximo al mundo de la ilustración de cuento infantil o comic. En ocasiones de trata de una entelequia documentada y otras muchas veces de la imaginación de la artista.  Existe cierto gusto por la pincelada fresca, por el contacto con la pintura como materia en el cuadro y por los colores muy saturados como seña de identidad. En su obra encontramos influencias del Pop Art y de la ilustración moderna.

Criatura de la noche

Valquíria.

El guardián de los sueños II



Espacios

Los espacios de arte visitados reúnen diferentes aspectos de cómo se gestiona comercial y culturalmente el producto artístico. Mi proyecto no se mueve por el mundo del arte conceptual y tampoco se puede considerar algo emergente. No veo cabida para mi obra en un espacio como el Museo Reina Sofía, donde se requiere que el artista tenga una trayectoria considerable y cierto prestigio en el mundo del arte contemporáneo. La Casa Encendida, sin embargo, presenta proyectos de gran envergadura pero sobre todo dirigidos al tema social y medioambiental. Quizá el espacio que mejor podría acoger mi obra sea Espacio Mínimo. No obstante me gustaría, ahora, centrarme un poco más concretamente en las obras y artistas que encontré en Espacio Mínimo.
La galería Espacio Mínimo, presenta estos días una exposición colectiva, Human Nature, realizada entre varios artistas.
Siento que mi obra podría entablar relación en especial con los dibujos de Rachell Sumpter, y Jacob Magraw-Mickelson, pero también con lo allí expuesto de Victoria Reynolds y Brendan Monroe. Los dibujos de Jacob resultan muy atractivos, pero a la vez inquietantes, sus dibujos de no muy grandes formatos encierran un mundo con multitud de formas ejecutadas con minuciosidad y delicadeza. Nuestras obras comparten el gusto por los colores intensos y los minuciosos detalles. También la fantasía que ilustra sus trabajos en los cuales encontré cierta influencia por la animación del Studio Ghibli, muestran su gusto por liberar su imaginación.


Rachell Sumpter, y Jacob Magraw-Mickelson

Victoria Reynolds realiza unos impactantes cuadros en los que exhibe orgánicas texturas basadas en la carne y realizadas con sumo preciosismo y cuidado. Sus cuadros recrean un mundo sensorial realmente atractivo y ornamentado. Su obsesión por un manejo depurado de la técnica que roza el hiperrealismo es algo que también quiero conseguir con mi obra. Sus cuadros me son una buena fuente de inspiración.

La mayoría de artistas que encontré en la exposición citada de Espacio Mínimo (la galería cuya exposición se podía acercar más a mis gustos personales) trabajan en el dibujo y la pintura formas orgánicas atractivas y coloridas, que me resultan bellas y comparten un gusto por lo visual y lo elaborado que me gustaría llegar a alcanzar.

Cabe destacar la obra de Brendan Monroe, el cual se considera a sí mismo como fabricante de cosas que tiene la necesidad de producir y construir, no descarta el tradicional medio del dibujo para representar fielmente sus ideas y conceptos. 


Blog - Proyectos II

La creación de este Blog está pensada única y exclusivamente para la asignatura de Proyectos II, a modo de diario personal y con el objetivo de ver marcada una trayectoria a lo largo del curso de los progresos y los logros.